JUAN ANTONIO PEREZ, portero amarillo de la década de los setenta y ochenta. Rosendo Hernández, que entonces dirigía al Tudelano, pidió informes a la UD Las Palmas para la cesión de uno de sus guardametas. Pérez, joven valor en un grupo de notables compañeros que competían por el puesto, estaba disponible para una cesión. Y fue en la localidad navarra donde conoció a Gloria Almunia, su futura esposa, y donde dejó la semilla de sus posteriores raíces. No sabía entonces que Tudela iba a ser el centro de gravedad de su entorno familiar y de su vida profesional después del fútbol. Hoy, con los guantes guardados en el ático, Pérez comparte sociedad con otro ex futbolista, José María Lumbreras (Osasuna y Real Sociedad) regentando una negocio de prendas y material deportivo en el corazón de aquella población navarra. "Vendemos de todo, menos tablas de surf", señala tras dos década de oficio.

Pérez y Lumbreras tenían un nexo común, además del fútbol: las hermanas Almunia Alloza, con quienes crearon sus respectivas familias. De esta forma se conocieron y luego se asociaron. Se da la circunstancia curiosa de que la esposa de Pérez vive el ambiente balompédico por los cuatro costados. Su padre, Fernando Almunia, fue jugador del Tudelano. El padrino de su bautizo, Enrique Yarza, era portero del célebre Real Zaragoza de los cinco magníficos. Y el cuadro familiar lo redondea Manuel Almunia, hoy cancerbero del Arsenal londinense. Así que el fútbol se respira en todas las dimensiones en la residencia de la familia Pérez Almunia.

FICHAJE EN VACACIONES. El portero grancanario culminó su periplo en la UD Las Palmas en 1987. Recuerda que "estaba de vacaciones, en Logroño, y no había firmado la renovación con la Unión Deportiva Las Palmas. Tampoco había cobrado, pero el contrato estaba vencido. Se enteraron en el CD Logroñés de esta situación y, con 34 años de edad, me ofrecieron un contrato por dos temporadas para seguir en Primera División. Se lo expliqué a don Jesús (García Panasco), porque era una buena oportunidad para mí, que ya tenía ganas de acercarme a Tudela. Y en Las Palmas lo entendieron, algo que agradecí a nivel personal ese gesto".

LEJOS DEL FÚTBOL. A los 36 años, Pérez dijo "basta". Se retiró en Las Gaunas y en 1990 la tienda de deportes "con carácter familiar" echó a andar, mientras Lumbreras -ahora entrenador del Tudelano, rozando la pasada temporada el retorno a la Segunda B- aún seguía unas temporadas más en activo en la Real Sociedad. Los contactos de Pérez con el fútbol no se han perdido. Fue segundo entrenador del Tudelano, con Paco Romea al frente, y cuando Óscar Ruggeri fue a dirigir al Elche le tentó para que le asistiera. El portero conserva hoy un aspecto intachable. Casi parece que fue ayer cuando le vimos por última vez bajo una portería. No ha ganado peso, no se le aprecian canas (eso parece) y se siente feliz en tierras navarras. Su hija Ana, con 29 años de edad, ya está estabilizada como profesora de la Compañía de Jesús. Pérez no pierde la oportunidad de viajar a su tierra para veranear ni de estar constantemente observando qué es lo que hace en el campeonato de Liga su club, el de los colores eternos. "Hace tiempo que no he visto en directo al equipo. Pero sería impagable poderle observar otra vez en la categoría donde nos tenía acostumbrados. Eso espero".

Orishas era una banda cubana. La formaban Hiram Riverí Medina (Ruzzo), Yotuel Romero (Guerrero) y Roldán González Rivero. En principio Yotuel y Ruzzo eran dos cubanos que salieron de La Habana como parte de un intercambio escolar a París; allí se unieron a Roldán y a Flaco-Pro que, con el productor francés Niko Noki, habían formado el grupo Orishas desde hacía algunos meses, y así formaron la banda en 1999. Ruzzo y Yotuel rapeaban en Amenaza, banda pionera del hip-hop cubano; Roldán cantaba música tradicional cubana en el grupo Rico Son. Algunos amigos se quedaron en el camino, pero el poderío de la idea inicial fue la fuerza que les hizo seguir adelante: mezclar hip-hop con música tradicional cubana. Como curiosidad, sus integrantes viven repartidos por Europa (Roldán en París, Ruzzo en Milán y Yotuel en Madrid). Orishas ha vendido con todos sus CD más de 750.000 copias en Europa, ha ganado dos Grammys.^{[cita requerida]} Son los representantes por excelencia del hip-hop cubano en el mundo. El grupo, en algunos de sus temas se inclina por la critica social como se señalan en el tema "el kilo" del mismo disco y a la igualdad social En 2007, hicieron un dueto con el grupo puertorriqueño Calle 13, en la canción llamada "Pal Norte". La canción ganó un Grammy Latino como Mejor Canción Urbana.

Mercedes Sosa " LA NEGRA, LA VOZ DE AMERICA "

(Tucumán, 9 de julio de 1935 - Buenos Aires, 4 de octubre de 2009) conocida como La Negra Sosa o La Voz de América, fue una cantante de música folclórica argentina reconocida en América, Europa, Israel y Asia Oriental, considerada la mayor exponente del folklore argentino, cumbre de la Historia de la música folclórica de Argentina y una de las principales e infaltables cantantes de música popular de Latinoamérica.

Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de la Nueva canción latinoamericana. Incursionó en otros géneros como el tango, el rock y el pop. Se definía a sí misma como «cantora» antes que «cantante», en lo que fue una distinción fundamental de la nueva canción latinoamericana de la que ella fue una de las iniciadoras: «Cantante es el que puede y cantor el que debe» (Facundo Cabral).Ese ideal fue expresado por Mercedes Sosa en los títulos de sus álbumes como Canciones con fundamento y Yo no canto por cantar. Entre las interpretaciones con que se ha destacado en el cancionero latinoamericano se encuentran «Al Jardín de la República», «Canción con todos», «Alfonsina y el mar», «Gracias a la vida», «Como la cigarra», «Zamba para no morir», «La maza», «Todo cambia», «Duerme negrito», «Calle angosta».Entre sus discos se destacaron Canciones con fundamento (1965), Yo no canto por cantar (1966), Mujeres argentinas (1969), Homenaje a Violeta Parra (1971), Cantata sudamericana (1972), Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui (1977), Mercedes Sosa en Argentina (1982), Alta fidelidad (1997) y su interpretación de la Misa criolla (2000). Su último trabajo es Cantora, lanzado poco antes de su muerte, un álbum doble donde interpreta 34 canciones a dúo con destacados cantantes iberoamericanos, y cierra con el Himno nacional argentino.

Su infancia y adolescencia en Tucumán.

Haydée Mercedes Sosa nació el 9 de julio en la ciudad de San Miguel de Tucumán. Cabe destacar que el 9 de julio es el Día de la Independencia de la Argentina y que el texto que declaró independiente al país se firmó también en Tucumán. Descendiente de calchaquies, su padre era un obrero de la industria azucarera que trabajaba en el ingenio Guzmán, mientras que su madre trabajaba de lavandera para familias más acomodadas.Originariamente sus padres habían acordado nombrarla Marta Mercedes, pero en el registro civil, su padre lo cambió por Haydeé Mercedes. Pese a ello, su madre, su familia y sus seres cercanos nunca utilizaron el nombre legal y siguieron llamándola Marta.

Mi mamá dice que mi papá se olvidó mi nombre adrede cuando me fue a inscribir al Registro Civil. Y me puso Haydeé Mercedes en vez de Marta Mercedes. Mi mamá quería que de primer nombre yo me llamara Marta. Así sin hache: Marta. Claro, como es lógico, en mi casa mandaba mi papá, pero claro, como es lógico, siempre se terminaba haciendo lo que quería mi mamá. Y entonces todos desde que me recuerdo me vienen llamando Marta. Soy la Marta, y me gusta mucho más ser la Marta que Mercedes Sosa. Esto nadie lo cree, pero es así... Al final, puertas adentro las cosas son como las madres quieren, y puertas afuera son como la gente manda. En mi casa definitivamente soy la Marta. Para la gente definitivamente soy la Negra.

Mercedes Sosa.

Ella misma cuenta cómo empezó a cantar un día de octubre de 1950:

Yo andaba por mis 15 años. Mi papá y mi mamá, que eran muy peronistas, aprovecharon un tren gratis a Buenos Aires para celebrar el 17 de Octubre [Día de la Lealtad Peronista]. Yo quedé cuidada por mis hermanos, más suelta… En la escuela faltó la profesora de canto y la directora me dijo que íbamos a cantar el Himno nacional y que yo tenía que ponerme adelante y cantar bien fuerte, para que todos me siguieran. Sentí vergüenza, pero canté: ahí debuté. Ese día también faltó la profesora de labores y con mis compañeras fuimos a LV12, donde había un concurso. Mis compañeras me empujaron para que cantara. Por temor a que se enterara mi papá me llamé Gladys Osorio. Canté Triste estoy, de Margarita Palacios. Cuando terminé, el dueño de la radio me dijo: «El concurso concluyó y lo ganaste vos». Y seguí cantando en la radio. Hasta que un día mi papá me descubre y me llama y me dice palabras que escucho ahora: «¿Le parece bonito eso de andar metiéndose en la radio? ¿Eso es lo que hace una señorita criada para ser decente? Gladys Osorio, venga, acérquese… ¿Tengo que felicitarla? Míreme a los ojos ¡Que me mire a los ojos le digo!».

Mercedes Sosa.

A partir de entonces se dedicó al canto, aunque siempre sentía un enorme pánico escénico cuando cantaba en público. En esa primera época, Mercedes tenía como referentes musicales a Margarita Palacios y a Antonio Tormo (el cantante que masificó la música folclórica en la Argentina a principios los años cincuenta). Sus actuaciones se repartían entre actos partidarios del peronismo, el circo de los Hermanos Medina, y la radio, donde cantaba boleros en el conjunto de los Hermanos Herrera, dirigido por Tito Cava.

Mendoza.

En 1957 se radicó en Mendoza a raíz de su matrimonio con el músico Oscar Matus, con quien tuvo un hijo, Fabián Matus. Matus y Mercedes establecieron una sociedad artística con el poeta y locutor Armando Tejada Gómez que resultaría de gran trascendencia artística y cultural. Mendoza resultaría uno de los tres lugares entrañables de Mercedes Sosa, junto a Tucumán y Buenos Aires. Allí «se hizo mujer», dijo ella misma, nació su hijo y se formó artísticamente. En su última voluntad pidió que sus cenizas se esparcieran en esos tres lugares. En Mendoza, el lugar elegido fueron los canales de riego de Guaymallén, el mismo lugar donde se arrojaron las cenizas del poeta Armando Tejada Gómez, quien ocupó un lugar decisivo en el arte de Mercedes. Junto a esos tres lugares, Mercedes Sosa también destacaba su afecto especial por Montevideo, donde fue tratada por primera vez como una gran cantante, en una serie de actuaciones que realizó en Radio El Espectador y en Canal 12:

En Tucumán están mis raíces, en Mendoza está mi felicidad, en Montevideo está mi primer reconocimiento como artista.

Mercedes Sosa.

Mercedes Sosa comenzó a cantar en una época, en la que el tango de Buenos Aires, que era la música popular por excelencia, estaba siendo alcanzado en popularidad por la música de raíz folklórica, característica de las provincias, en un fenómeno que es conocido como el boom del folklore, producido de la mano de la industrialización del país y la migración de millones de personas del campo a las ciudades y de las provincias hacia Buenos Aires. Este proceso conllevaba transformaciones étnicas y culturales en la población que diferían de las que produjera la inmigración mayoritariamente europea que se produjo entre 1850 y 1930.

En 1962, Mercedes Sosa lanzó su primer álbum, La voz de la zafra (la zafra es la cosecha de caña de azúcar, principal producción de Tucumán), grabado el año anterior y producido por RCA. El álbum fue grabado debido a la insistencia de Ben Molar, un músico polifacético vinculado a la música popular de Buenos Aires, quien reconoció el talento de la cantante tucumana y convenció a los directivos del sello RCA para realizar el disco, que sin embargo careció de difusión. El disco está integrado por ocho canciones de Matus-Tejada Gómez: «Los hombres del río», «La zafrera», «El río y tú», «Tropero padre», «Nocturna», «Zamba de los humildes» (o «La de los humildes»), «Zamba de la distancia» y «Selva sola», además de otras cuatro, entre las que se encuentran la guarania «Jangadero» (del misionero Ramón Ayala,quien escribió también la nota de contratapa), «El indio muerto» (de Gerardo López, cantante de Los Fronterizos) y dos temas con letra de Ben Molar, a pedido de Mercedes Sosa, «Recuerdos del Paraguay» y «Sin saber por qué».La canción «Nocturna» tiene una significación especial para Mercedes Sosa porque se trata de la canción que simbolizó el amor a primera vista con Oscar Matus (“Tú, junto al amor que nos separa, llenas mi dulce guitarra de oscura distancia... llevas mi voz en tu voz, triste y suave”). El mismo álbum fue luego reeditado bajo el título de Canta Mercedes Sosa. El álbum anticipaba una línea estético-cultural que sería expresamente formulada al año siguiente con el lanzamiento del Movimiento del Nuevo Cancionero, y que sería sintetizada con el título de su segundo álbum, Canciones con fundamento(1965), segundo disco del sello independiente El Grillo que intentaba consolidar Matus, compuesto ―al igual que el primero―, sobre la base de las canciones de Matus-Tejada Gómez.

Premios Grammy Latinos.

Dionisio Jesús Valdés Rodríguez, más conocido como Chucho Valdés (Quivicán, Cuba, 9 de octubre de 1941)es un pianista de jazz afrocubano, fundador del grupo Irakere. Su padre fue el también pianista de jazz afrocubano Bebo Valdés(1918-2013).

Biografía.

Ganador de ocho premios Grammy: cinco Grammy Awards y tres Grammy latinos y acreedor de muchos doctorados, Dionisio Jesús "Chucho" Valdés Rodríguez es natural de Quivicán, provincia Habana, Cuba. Nacido en 1941, el pianista, compositor, profesor de música, arreglista musical y director de grupo comenzó su formación musical en la infancia, en su casa, bajo la influencia de su padre "el gran Bebo Valdés", y su madre, Pilar Rodríguez, profesora de piano y cantante. A la edad de 3 años ya tocaba al piano las melodías que escuchaba en la radio, de oído, con las dos manos, en cualquier tono. El ambiente musical de la familia le permitió adentrarse con soltura en el conocimiento de los más diversos estilos y géneros de la música.

Estudios realizados.

A la edad de cinco años recibió clases de piano, teoría y solfeo con el profesor Oscar Muñoz Boufartique, estudios que culminaron en el Conservatorio Municipal de Música de la Habana a la edad de catorce años. Perfeccionó sus conocimientos en clases privadas con Zenaida Romeu, Rosario Franco, Federico Smith y en composición con Leo Brouwer.

Actividad profesional.

A la edad de quince años formó su primer trío de jazz con Emilio del Monte y Luis Rodríguez. En diciembre de 1958 trabajó como pianista en los hoteles Deauville y St. John de la Habana. En 1959, hizo su début con la orquesta "Sabor de Cuba" dirigida por su padre, con la cual acompañó a muchos importantes cantantes de la época como Rolando Laserie, Fernando Álvarez y Pío Leyva.

Entre 1961 y 1963 trabajó como pianista en el Teatro Martí, Salón Internacional del Hotel Habana Riviera y en la orquesta del Teatro Musical de la Habana . En este último año, y por recomendación de Leo Brouwer , creó simultáneamente su combo al que en 1965 le agregó un cantante llamado Amado Borcelá, más conocido como "Guapachá" trabajo con el que se abrió un nuevo camino en la música popular cubana: era como el preámbulo de Irakere ya que algunos de sus fundadores lo acompañaban. En 1967 incursiona en la Orquesta Cubana de Música Moderna, bajo la dirección de los maestros Armando Romeu y Rafael Somavilla. Maduran en Chucho sus conocimientos, consolidándose como líder del grupo. Dentro de la misma retoma la idea del combo, en formato quinteto y en 1970 debuta con el mismo en el Festival Internacional de Jazz Jamboree en Polonia, convirtiéndose en el primer grupo cubano que participó en un festival de este género en el extranjero, donde es felicitado por Dave Brubeck y ubicado Chucho, por primera vez, entre los cinco mejores pianistas del mundo junto a Bill Evans, Oscar Peterson, Herbie Hancock y Chick Corea. En 1972, después de grabar el LP "Jazz Batá" con Carlos del Puerto y Óscar Valdés, Chucho decide ampliar el formato añadiendo metales y batería, funda entonces en 1973 "Irakere", considerado el grupo más importante en la historia de la música cubana en la segunda mitad del siglo XX, una explosiva mezcla de jazz, rock, clasicismo y música tradicional cubana, un sonido nunca antes escuchado que revolucionó la música latina. Con Irakere desarrolló una amplia labor creadora que conjuga las raíces de nuestra música con los más contemporáneos medios expresivos, con obras de gran trascendencia como la "Misa Negra" y "Shaka Zulu", ambas para orquesta sinfónica e Irakere. En 1998 comenzó a trabajar con un formato cuarteto y la vocalista Mayra Caridad Valdés, con énfasis en el piano como solista y voz líder del mismo. Nuevas experimentaciones musicales lo llevan a concebir a finales de 2009 "Chucho Valdés y los Afro-Cuban Messengers", formato con el que grabó el multipremiado disco "Chucho´s Steps" con su sello Comanche y con el cual realizó exitosas gira mundiales entre 2010 y principios del 2012. En el recién concluido 2012 Chucho nos sorprende con su nuevo Quinteto, una combinación musical perfecta, mezcla de los insustituibles Yaroldy Abreu (percusión) y Dreiser Durruthy Bombalé (batá y voces), junto a la más joven generación del jazz cubano que proponen una dinámica increíblemente innovadora y contemporánea: Gastón Joya (bajo) y Rodney Barreto (batería). Con este formato acaba de grabar a finales del año su última producción discográfica “Border-free”, con su propio sello “Comanche” y también inauguró el 28 Festival Internacional Jazz Plaza, en lo que constituyó el preestreno en Cuba de dicho formato y del disco, con un rotundo éxito de crítica y de público.

Actividad docente y otras.

Habitualmente imparte clases como profesor titular en el Instituto Superior de Arte de la Habana y también en universidades de todo el mundo. En 2006 fue declarado Embajador de Buena Voluntad de la FAO ante la ONU en ceremonia realizada en el Vaticano, Roma. Desde entonces, da conciertos en la Habana cada mes de octubre, por el Día Mundial de la Alimentación. “Haití Volverá” es el tema musical que compuso y cuyos derechos cedió a la FAO para recaudar fondos a favor de las víctimas del huracán que devastó al país caribeño.

Giras internacionales.

Giras por todos los continentes y actuaciones en los más famosos escenarios del mundo, sustentan el reconocimiento a su extraordinaria labor interpretativa, considerada por la crítica especializada como uno de los mejores pianistas del mundo. El Carnegie Hall, Kennedy Center, Lincoln Center, Hollywood Bowl, Blue Note NY, Village Vanguard, el teatro Colón de Buenos Aires, entre otros; y compartiendo con músicos excepcionales de la talla de Herbie Hancock a dos pianos, Billy Taylor, Kenny Barron, Michel Legrand, Frank Emilio, Michel Camilo, Chano Domínguez, Marian Marpartlan, Mulgrew Miller, John Lewis, Chick Corea, Gonzalo Rubalcaba, Brandford y Wynton Marsalis, Carlos Santana, Joe Lovano, Grover Washington Jr., Dizzy Gillespie , Hugh Fraser, David Sánchez, George Benson, Taj Mahal, Max Roach, Jack Dejonnette, Ron Carter, Idris Muhamed, Eddie Gómez, Gato Barbieri, Giovanni Hidalgo, Tito Puente y con las orquestas del Lincoln Center Big Band, Village Vanguard Orchestra, John Clayton Big Band y la orquesta de Machito, entre otras. Escenarios en Londres, París, Turquía, Portugal, Grecia y el Líbano, junto a Michel Legrand han acogido sus actuaciones. En España, entre otras presentaciones, ha girado promocionalmente con Pablo Milanés, presentando el CD "Más allá de todo" y también presentó con su padre Bebo el famoso CD "Juntos para siempre", en nueve conciertos. En 2009 Chucho se presentó ante 12.000 personas en el concierto de la Plaza Catedral en Ciudad de Panamá y en los escenarios más prestigiosos de Canadá, Europa, Asia y Australia.

En el recién finalizado 2012 actuó en Costa Rica, Canadá, Italia, Suiza, Austria, Alemania, España, Japón; y Panamá, junto a la cantante cubana Omara Portuondo. Durante Enero-Febrero realizó, con sus Mensajeros Afrocubanos veinte y dos conciertos en treinta días, de costa a costa de EE.UU que incluyó su regreso al famoso escenario del Carnegie Hall de Nueva York, luego de treinta y cuatro años de ausencia, (junto a la cantante española Concha Buika), promocionando el CD de ambos “El último trago” y su propio disco “Chucho´s Steps”; ofreció además conciertos, clínicas y conferencias en universidades. A finales de año, otra intensa gira de presentaciones lo ocupaba por más de veinte y cuatro ciudades estadounidenses, incluyendo el retorno al Carnegie Hall Neoyorquino, en su tercera presentación a capacidad completa vendida. En el conocido como “Templo del Jazz” fue anfitrión de un Festival o velada cubana en la que presentó, junto a su Quinteto, a dos de los mejores jóvenes talentos cubanos, Aldito López Gavilán y Dayramir González y a una de las agrupaciones abanderadas de la tradición rumbera en Cuba, Yoruba Andabo. Luego sucedió una presentación muy especial con otros tres grandes pianistas latinos: el brasileño Egberto Gismonti, el panameño Danilo Pérez y el cubano Gonzalo Rubalcaba, en un histórico concierto a cuatro pianos sin precedentes considerado por el New York times como uno de los mejores conciertos del año 2012 en los Estados Unidos. El año que comienza impone para Chucho Valdés el reto de nuevas y múltiples presentaciones internacionales por todo el mundo, incluyendo la primera vez para un cubano en Nueva Zelandia; y entre otros países: Rusia, Japón, Indonesia, España, Bulgaria, Alemania, Inglaterra, Francia, Italia, Australia, Canadá, EE.UU, Portugal, Suiza.

Discografía.

En 1964 grabó su primer LP titulado “Jazz Nocturno” (Descarga, vol.I), como Chucho Valdés y su Combo (preámbulo de Irakere) Irakere ha sido el primer grupo musical cubano en obtener un premio Grammy Award en la categoría Mejor Grabación Latina, en 1979 por el LP "Misa Negra" Ha grabado un promedio de 88 discos y más de 50 colaboraciones con otros proyectos discográficos. Hasta el momento cuenta con diez y nueve nominaciones y ocho premios Grammy : - Misa Negra (1979) Grammy Award - Habana Crisol (1997) Grammy Award - Live at Village Vanguard (2000) Grammy Award - Canciones Inéditas (2002) Grammy Latino - Nuevas Concepciones (2004) Grammy Latino - Juntos para siempre (2009-2010) Grammy Latino y Grammy Award - Chucho´s Steps (2011) Grammy Award Chucho´s Steps también obtuvo el GRAN PREMIO EXTRAORDINARIO CUBADISCO 2012, la Feria del Disco Cubano. Su más reciente producción fonográfica va a cuenta nuevamente de su propio sello “Comanche”, bajo el título “Border-free” (Sin fronteras), grabado en los estudios Abdala de Cuba, en diciembre de 2012 y en proceso actual de mezcla en sus estudios de Málaga. El fonograma incluye, además de la música inédita, un tema de la cubana Ernestina Lecuona versionado por Chucho y al decir del Maestro "responde a la medida de lo que quiero expresar, pues mi música no tiene un formato cerrado”.

Premios y reconocimientos.

Por el sostenido virtuosismo demostrado en el instrumento ha sido acreedor de numerosos premios como solista en diferentes festivales internacionales. Entre otras distinciones y reconocimientos, ha recibido además: - Hijo Ilustre de Quivicán, Cuba - Doctor Honoris Causa de la Universidad de Victoria en Canadá, 1997. - "Orden Félix Varela" de primer grado por sus relevantes méritos artísticos, otorgada por el Consejo de Estado de la República de Cuba, 1998 - Doctor Honoris Causa en Artes en el 2000 y - Distinción al Mérito Pedagógico en 2001, ambos otorgados por el Instituto Superior de Arte de la Habana, ISA. - Premio Nacional de Música (compartido con Leo Brouwer) en su primera edición, año 2000. - Fue inscripto en el Hall de la fama del Jazz Latino en los Ángeles, en ceremonia junto a Tito Puente, Eddie Palmieri y Shiffrin Lalo, en 2000. - Premio de la música de España en categoría Jazz 2009 por el CD "Juntos para siempre", grabado con su padre Bebo Valdés bajo el sello calle 54 . - Doctor Honoris Causa del Berklee College of Music de Boston, EE.UU, junto a su padre Bebo Valdés en mayo 2011. - En junio de 2011 fue nombrado Visitante de Honor de la ciudad de Buenos Aires, Argentina. - La Diputación de Málaga lo nombró Hijo Adoptivo de la Provincia, 2012 - Reconocimiento Gitana Tropical, Dirección Provincial de Cultura de La Habana, 2012. Ha recibido las llaves de las ciudades: Ponce (Puerto Rico), los Ángeles, San Francisco, New Orleáns y el Madison, (EE.UU.) y Ciudad Panamá, entre otras. Chucho Valdés, proclamado en 2012 por el New York Times como "el Decano del Jazz Latino” es también uno de los protagonistas (junto a su compatriota Gonzalo Rubalcaba y el dominicano Michel Camilo ) del documental “Playing Lecuona”, una coproducción cubano-española, rodada en diferentes escenarios del mundo y que se estrenará próximamente. Otra novedad es la fabricación de los primeros ocho pianos marca “Chucho” en Japón. Los diseñadores y fabricantes tuvieron en cuenta el sonido del jazz latino. No existían antecedentes de la construcción de un instrumento de música destinado exclusivamente a los intérpretes del jazz. Este proyecto nació de la idea del japonés Sakai, un fabricante y reparador de pianos, después de asistir a un concierto del afamado jazzista, quien, según la crítica especializada se proyecta siempre “Sín límites”.

Premios y distinciones.

Grammy.

Chucho ha ganado premios Grammy en cuatro ocasiones:

• en 1979 con Irakere y el álbum del mismo nombre.
• en 1997 con Roy Hargrove's Crisol y el álbum Habana.
• en 2000 con en álbum Live At The Village Vanguard.
• en 2009 en la edición de los Grammy Latino con en álbum Juntos para siempre, esta vez compartió honores con su padre Bebo Valdés.

Otros Premios y distinciones.

• Premio Nacional de la Música en Cuba
• Doctor Honoris Causa en el Instituto Superior de Arte de La Habana
• Distinción al Mérito Pedagógico en el Instituto Superior de Arte de La Habana
• Medalla Félix Varela (máxima distinción de la cultura cubana)

Dionisio Ramón Emilio Valdés Amaro, más conocido como Bebo Valdés (Quivicán, Cuba, 9 de octubre de 1918 - Estocolmo, Suecia, 22 de marzo de 2013)fue un músico de música cubana y jazz afrocubano, considerado como una de las figuras centrales de la época dorada de la música cubana. Además de pianista, su faceta más conocida, ha sido compositor, arreglista y director de orquesta. Fue padre del también pianista de jazz afrocubano Chucho Valdés(n. 1941).

	9 de octubre de 1918, Quivicán, Cuba

De 1931 a 1935 estudia el piano en su pueblo natal con Moraima González; en 1936 se traslada con su familia para La Habana, donde fue alumno de solfeo, armonía y composición con Oscar Bofartigue. En 1938 hizo su debut profesional con la orquesta de Happy D’Ulacia. Tocó en La Habana, desde los años cuarenta, en las orquestas Ulacia, García Curbelo, Julio Cueva y Orquesta Tropicana, y grabó discos con grupos dedicados a interpretar jazz afrocubano.Conocido entre sus familiares y amigos con el apelativo cariñoso de Caballón por su considerable estatura, compuso mambos, como La rareza del siglo, que reviste el género recién introducido por Pérez Prado y que cambiaría el curso de la música cubana. A partir de 1948, y hasta 1957, trabaja en el cabaret Tropicana como pianista y arreglista de Rita Montaner. La orquesta Sabor de Cuba, de Bebo Valdés, y la de Armando Romeu, hacían el show de este centro nocturno, en el cual Valdés deja de actuar en 1957, al ser contratado por Ernesto Roca, de la Peer Internationtal Music Publishers, para hacer arreglos a Xiomara Alfaro y Pío Leyva; a la vez, se une a Guillermo Álvarez Guedez, de la Panart y a Rolando Laserie en Radio Progreso. Con su orquesta Sabor de Cuba, acompañó a los cantantes Reinaldo Henríquez, Orlando Guerra (Cascarita), Pío Leyva y Ada Rex; también cantó con esta agrupación Beny Moré, y debutó Chucho Valdés.

Sobre la descarga o jam sesión, existen múltiples versiones, esta es la de Bebo Valdés que, por la concresión de datos, fechas y casas disqueras que hicieron las grabaciones, es la más objetiva: “Una noche del mes de octubre de 1952, descansaba en un cabaret de La Habana con miembros de la orquesta del Tropicana. Hay que saber que desde 1948, músicos cubanos, mexicanos o hasta estadounidenses se reunían los domingos por las tardes en el Tropicana para hacer descargas, en el curso de las cuales mezclábamos jazz y ritmos cubanos. A veces las descargas se celebraban a las cuatro de la mañana, al terminar la función [de Tropicana]. El que las animaba era el percusionista Guillermo Barreto; habíamos recibido a Roy Haynes, Kenny Drew, Sarah Vaughan, Richard Davis y muchos otros músicos de paso; de hecho, todos los grandes nombres del jazz desfilaron por el Tropicana. Todo eso habría podido grabarse, pero nadie se interesó. Así, esa noche Irving Price, el propietario de una tienda de discos de la calle Galiano, me anuncia que el productor Norman Granz está en la ciudad y que no puede creer que los músicos cubanos sean capaces de tocas jazz […]. Granz y Price me piden ir al estudio para grabar. Era el 16 de septiembre de 1952. Así, convoqué a unos músicos, pero yo mismo llegué retrasado a la sesión, pues por la mañana tenía otra grabación para la RCA: ¡Iba yo a acompañar a una cantante! Cuando finalmente llegué al estudio de Panart, Granz ya se había ido a los Estados Unidos. A la orquesta la llamamos The Andre’s All Star, por el nombre de la tienda de discos de Irving Price. Habíamos decidido tocar temas de jazz clásico, como Desconfianza, Tabú, Duerme y Blues for André. Al término de la sesión, como aún quedaban algunos minutos disponibles para el disco, me puse a tocar un riff, a partir del cual improvisamos […]. A ese tema le llamamos "Con poco coco.” El disco se tituló Cubano!, y los músicos participantes eran todos del cabaret Tropicana: Gustavo Más, saxofón tenor; Alejandro Vivar (El Negro Vivar), trompeta; Kiki Hernández, contrabajo; Guillermo Barreto, timbal; Rolando Alfonso, tumbadora y Bebo Valdés, piano. Las obras que contiene son las mismas que menciona Bebo Valdés, y el sello, Mercury. En 1955, Bebo Valdés graba, en los estudios de Radio Progreso, Holiday Habana y She Adores the Latin Type, para el sello Decca, que contenía mambo, chachachá, bolero, descarga de jazz, incluso, jazz con tendencia al bebop.

Según Luc Delannoy, en 1956 la Panart graba Cuban Jam Session, con Julio Gutiérrez y Pedro Jústiz (Peruchín), como directores, y los músicos Alejandro Vivar (El Negro Vivar), Edilberto Escrich, Osvaldo Urrutia (Mosquifin), Emilio Peñalver, José Silva (CHombo), Juan Pablo Miranda, Salvador Vivar, Jesús Esquijarrosa (Chucho), Oscar Valdés, padre, Marcelino Valdés, Walfredo de los Reyes y José Antonio Méndez. La participación de Israel López (Cachao) en una descarga, no ocurre hasta 1957, cuando la Panart graba Descargas cubanas, con la participación del propio Cachao, Guillermo Barreto, Gustavo Tamayo, Rogelio Iglesias, Richard Egües, Andrés Hechavarría (El Niño Rivera), Rolito Pérez, Alfredo León, Arístides Soto (Tata Güines), Alejandro vivar (El Negro Vivar), Generoso Jiménez, Orestes López (Macho), Emilio Peñalver y Virgilio Vixama. Se sucedieron, en otros años, grabaciones de descargas, y algunas no grabadas, como las que recuerda Leonardo Acosta en el Club Cubano de Jazz, celebrada entre 1958 y 1960, con la participación de Pedro Jústiz (Peruchín), piano; Guillermo Barreto, batería y pailas, y Arístides Soto (Tata Güines), tumbadora. Esto viene a demostrar –o al menos mostrar otra cara de la moneda-, que fue Bebo Valdés uno de los iniciadores de la descarga en Cuba, recurso que utilizaron músicos cubanos en los más diversos formatos instrumentales, géneros y estilos de nuestra música popular, como, por ejemplo, lo hicieron los compositores del movimiento filin. El 8 de junio de 1952, con una banda de veinte músicos, Bebo da a conocer, en los estudios de RHC Cadena Azul, el ritmo batanga; entre los tres cantantes que integran la orquesta, se encuentra Beny Moré. Ese mismo año viaja a México con el objeto de grabar un disco con esta nueva modalidad de la música cubana, que incluía además, una nueva coreografía; no tuvieron éxito, y, según, Bebo Valdés, “la batanga murió de muerte natural”. Al abandonar Cuba en 1960 por discrepancias con el gobierno cubano Bebo también abandonó a su familia, a su esposa Pilar Valdés y a sus cinco hijos (entre ellos a Chucho). Bebo Valdés marcha a México, posteriormente se traslada a Los Ángeles, California, donde trabaja con el cantante Miguelito Valdés; de ahí viaja a España, y allí graba dos álbumes como director de la orquesta que acompaña al cantante chileno Lucho Gatica. Más tarde realiza una gira con la Lecuona Cuban Boys por Inglaterra, Francia, Holanda, Alemania y Finlandia. En 1963 se establece en Suecia, y trabaja con la orquesta Hatuey, agrupación sueca que toca música cubana. En Suecia formó una nueva familia al casarse en 1963.

Carrera internacional.

Tras treinta años de relativo anonimato, el 25 de noviembre de 1994, Valdés recibió una llamada de Paquito D'Rivera, quien le invita a grabar un nuevo disco en Alemania por el selllo Messidor. Se produce un nuevo inicio en su carrera a los 76 años con la grabación de Bebo Rides Again. Participó en el film de Fernando Trueba Calle 54, junto a, entre otros, el pianista y compositor Chucho Valdés, Paquito D’Rivera, Elaine Elías, Chano Domínguez, Jerry González, Michel Camilo, Leandro J. Barbieri (Gato Barbieri), Ernesto Antonio Puente (Tito Puente), Arturo O’Farrill (Chico), Israel López (Cachao), Orlando Ríos (Puntilla) y Carlos Valdés (Patato). En el 2004 viaja a Salvador de Bahia, Brasil, para participar en el filme de Trueba El milagro de Candeal, junto a Carlinhos Brown, Marisa Monte, Mateus Aleluia y César Méndes.

Músico integral capaz de abordar los más diversos géneros y estilos de la música, no solo como pianista y compositor, sino también como orquestador y director de orquesta de subidos valores; de sólida formación técnica, tanto teórica como pianística, Bebo Valdés es uno de los grandes de la música cubana de todos los tiempos. Fue, con Israel López (Cachao) y Patato Valdés, nominado al Premio Grammy Latino por El arte del sabor, mejor álbum tropical tradicional 2002. En 2002, Fernando Trueba produjo Lágrimas negras, disco que une al cantaor flamenco Diego el Cigala con Bebo Valdés al piano. Tras su publicación en 2003 se convirtió en un éxito internacional reconocido con un Grammy, tres Premios de la Música, un Premio Ondas, cinco Premios Amigo, tres Discos de Platino en España y uno en Argentina, México y Venezuela. El diario The New York Times lo alaba como Mejor disco del año en el apartado de música latina y les abre las puertas a una gira por, entre otras, París, Nueva York, Londres, La Habana, Buenos Aires, Tokio, México DF, Madrid y Barcelona. A finales de 2004 el disco había vendido más de 700.000 copias en todo el mundo.Se retiró a Benalmádena, un pueblo de la provincia de Málaga (España), hasta que falleció en Estocolmo (Suecia) el 22 de marzo de 2013.

Maru Valdivieso (n. 3 de mayo de 1964) (50 años), actriz española. Estudió COU en el Colegio Valdeluz de Madrid. Ha estudiado arte dramático con Cristina Rota, Dina Roth y Concha Doñaque, y también comenzó la carrera de Derecho. En cine destaca su trabajo en la película Los amantes del círculo polar (1998), de Julio Médem. Ha participado en numerosos montajes teatrales y series de televisión.

Filmografía.

• Sahara (1985), de Antonio R. Cabal.
• Mahuliena, zlatá panna (1986), de Miloslav Luther.
• Iniciativa privada (1986), de Antonio A. Farré.
• SSS (1988), de Santiago Aguilar y Luis Guridi.
• Iguana (1988), de Monte Hellman.
• Loco veneno (1989), de Miguel Hermoso.
• Barcelona, lament (1991), de Luis Aller.
• Lazos (1994), de Alfonso Ungría.
• Una primavera fuera de serie (1996), de Ingrid Asensio.
• Los amantes del Círculo Polar (1998), de Julio Médem.
• Carlota (2000), de Pedro Amalio López.
• Kasbah (2000), de Mariano Barroso.
• La gran vida (2000), de Antonio Cuadri.
• Iguana (película)Clara (2002), de Antonio Cuadri.
• Eres mi héroe (2003), de Antonio Cuadri.
• Mónica (2003), de Eduard Cortés.
• Chatarra (2004), de Rodrigo Rodero.
• Rapados (2004), de Román Parrado.
• Vida y color (2005), de Santiago Tabernero.
• Segundo asalto (2005), de Daniel Cebrián.
• Películas para no dormir: Cuento de navidad (2005), de Paco Plaza.
• Seis o siete veranos (2007), de Rodrigo Rodero.

Televisión.

• Pájaro en una tormenta (1989)
• Tango (1991)
• El oro y el barro (1992)
• Éste es mi barrio (1996-1997)
• A las once en casa (1998)
• Médico de familia (1999)
• Robles, investigador (2000)
• Carlota (2000)
• El grupo (2000-2001)
• El comisario (2002)
• Código fuego (2003)
• Hospital Central (2004, 2007)
• Ángel o demonio (2011)
• La fuga (2012)

Teatro.

• Cenizas (1987) de Janizk Glowak.
• La ex mujer de mi vida (1992) de Josiane Balasko.
• Bailando en verano (1993) de Brian Friel.
• La noche de las tríbadas (1994) de Per Olov Enquist.
• Fortunata y Jacinta (1994) de Benito Pérez Galdós.^[1]
• Picospardo's (1995) de Javier Garcà Mauriño.
• Don Juan Tenorio (1995) de Jose Zorrilla.
• El anzuelo de Fenisa (1997) de Lope de Vega.
• Las criadas (2002) de Jean Genet.
• Despertares y celebraciones (2004).
• A Electra le sienta bien el luto (2006) de Eugene O'Neill.
• Así es (si así os parece) (2007) de Luigi Pirandello.
• Los Cenci (2013) de Antonin Artaud.

Pere Ponce Alifonso (Tortosa, Tarragona, 14 de octubre de 1964) es un actor español.

Biografía.

En su etapa estudiantil en Tortosa trabajó en diversas obras bajo la dirección del escritor Manuel Pérez Bonfill. Antes de decidir dedicar su vida a la interpretación, Pere Ponce se matriculó en la carrera de psicología, la cual abandonó en beneficio de los estudios de Arte Dramático en el Instituto del Teatro de Barcelona. En sus inicios Ponce intervino en espacios televisivos como Pinnic y en películas de Francesc Bellmunt (Pa D´angel, Un parell d´ous, Radio Speed) mientras iniciaba su carrera en el teatro. Entre 1982 y 1983 fue dirigido por Ventura Pons en la obra Tres boleros. A esta obra le siguiera, entre 1985 y 1986, El despertar de la primavera, puesta en escena por Josep María Flotats. Al concluir las representaciones de ésta, Pere Ponce se incorporó en 1987 al montaje de Knack. En 1988 se unió a Amparo Larrañaga, Toni Cantó y Luis Merlo a la gira de Los ochenta son nuestros, según la pieza de Ana Diosdado. Finalmente en 1990, al acabar la obra Restauración, se inició su carrera cinematográfica como actor protagonista. En 1991 Emilio Martínez Lázaro lo emparejó con Ariadna Gil en Amo tu cama rica, donde encarnó a un joven sensible, urbanita. De esta manera el físico de Pere Ponce se asoció en primera instancia a los papeles de ciudadano que afrontaba la llegada a la treintena. Retrato que Fernando Colomo ofrecería su reverso en Alegro Ma Non Troppo, donde Pere Ponce encarnó a un estudiante de música que descubría su heterosexualidad después de múltiples relaciones con amantes masculinos. Ambas películas que -bajo el filtro de la comedia- lanzaban sutiles críticas al sistema social vigente en el que la juventud se hallaba desorientada. Entre el rodaje de los dos filmes, Pere presentó Pinnic, un programa infantil para TVE 2 con dos objetivos: a)eliminar los silbiditos, b) tratar a los niños como seres inteligentes.

Consolidado gracias a esos tres trabajos, Pere Ponce en 1995 rodó La ley de la frontera a las órdenes de Adolfo Aristarain. Achero Mañas y Aitana Sánchez Gijón le acompañaron en esta largometraje que bajo el formato genérico del cine de aventuras ofrecía un retrato de personas que vivían al límite, sin tener su propio lugar en el mundo, y que luchaban por acabar con el desigual reparto de la riqueza. Pere interpretó a Joa, un joven noble que reniega de su condición, abraza la causa de la revolución y termina su vida convertido en un perfecto burgués concienciado, pero burgués. Después de este filme, Pere Ponce apostó por trabajos minoritarios, entre los cuales destacó el realizado para Marc Recha en El árbol de las cerezas (1998), sobre el curso de la vida y de la naturaleza humana y también Atolladero (1997) dirigida por Oscar Aibar y en la que también participa Iggy Pop. En teatro el actor intervino en una versión de El hombre elefante, valiéndole su trabajo el Premio MAX al mejor actor de reparto y una candidatura al Fotogramas de Plata.

Por esas fechas el actor firmó un manifiesto que exigía el cese de la limpieza étnica de Slobodan Milošević, el cese de bombardeos de la OTAN y la sustitución de las fuerzas militares y grupos armados en Kosovo por una paz compuesta por cascos azules mandados por la ONU. De esa manera Pere Ponce sumó su nombre al de otros profesionales conocidos como Ernesto Alterio, Santiago Ramos, Alberto San Juan, Julieta Serrano, Pilar Bardem, Fiorella Faltoyano, Manuel Galiana, Juan Diego Botto, María Botto, Juan Luis Galiardo, Juan Diego o Amparo Valle.

En 2002 se sumó al elenco de Cuéntame cómo pasó, encarnando a Eugenio, un cura obrero que solicita la secularización al enamorarse de una de sus feligresas y que durante su estancia en la iglesia del barrio de San Genaro había adherido su firma a la de que aquellos que condenaron la Dictadura Franquista, había organizado diversas actividades culturales -incluida la proyección de películas difíciles de ver como El manantial de la doncella- así como la preparación de charlas informativas sobre la regulación de la natalidad. El Padre Eugenio, un hombre cuyo padre republicano no aprobaba la actividad profesional de su hijo, renunciaba a su labor social por su amor por Inés Alcántara, con la que se casaría en una ceremonia clandestina y con quien tendría un hijo nacido después de que ella fuese encarcelada por haber conocido a un etarra.

Pere compaginó el rodaje de la serie con la filmación de películas como Marujas asesinas -donde incorporó a un homosexual que se ve envuelto en el asesinato de un hombre aniquilado por su hastiada mujer- La isla del holandés, No dejaré que no me quieras, y Días de fútbol en la que se puso en la piel de un actor que mentía a sus amigos sobre su carrera cinematográfica para aparentar cierta dignidad. A principios de 2004 participó en las movilizaciones contra la Guerra de Irak y solicitó a Achero Mañas que protestase contra la Guerra de Irak durante la gala de los Premios Goya (Mañas aseguró en la ceremonia que la paz es la bomba).

En ese año Pere Ponce inició la gira de la obra teatral ambientada durante el Holocausto, Himmelweg (Camino al cielo), una parábola sobre nuestra ceguera ante el horror y sobre la manipulación de la información de los poderosos que condicionan nuestra percepción. Pere Ponce daba vida al jefe del campo de concentración desde tres ángulos distintos: a) uno guiñolesco que pone en evidencia la deformación de la realidad que transforma, b)otra naturalista cuando su personaje es "el mismo" y se muestra como el villano de la función, c) otra histriónica cuando su rol se convierte en el embacaudor que engaña a un visitante de la Cruz Roja que inspecciona el campo y que sale del mismo con la mala conciencia de no haber podido ver ni denunciar las barbaridades que en sucedían. Entre diciembre de 2005 y junio de 2007 protagonizó con Juan José Otegui, y bajo la dirección de Juan Echanove, la obra Visitando a Mister Green -según el original de Jeff Baron- donde encarnó a un homosexual judío (Ross) que atropellaba a un señor mayor, también judío (el señor Green), que había enviudado recientemente. Uno había renunciado a su felicidad por la desaprobación de su padre. El otro había apartado a su hija de su vida por haberse casado con un impuro. Finalmente el uno encontraba en su antagonista el padre y el hijo que no pudo disfrutar. Desde octubre de 2008 ha estado representado por toda España la obra de teatro "Un dios salvaje", de la escritora francesa Yasmina Reza junto con Aitana Sánchez-Gijón, Maribel Verdú y Antonio Molero, en un montaje dirigido por Tamzin Townsend. La gira terminará a principios de junio de 2010.

El 24 de mayo de 2010 comienza el rodaje de la película "Copito de Nieve" (con una duración prevista de ocho semanas). la película, que trata sobre el famoso gorila albino del zoo de Barcelona, se rueda en catalán bajo el título "Floquet de Neu", y está dirigida por el argentino Andrés Schaer. Combina animación en 3D con imágenes reales protagonizadas, además de por Pere Ponce, por Elsa Pataky, Félix Pons Ferrer y Rosa Boladeras. En ella, Pere Ponce interpreta al malo malísimo, el malvado Luc de Sac, un gafe que quiere atrapar a Copito de Nieve porque cree que su corazón es un amuleto que le protegerá de la mala suerte. Representa la obra Pluja Constant de Keith Huff donde interpreta a un policía de Chicago junto a Joel Joan dirigidos por Pau Miró.

Pep Molina, natural de Alcoi, puede presumir de haber trabajado, entre otros, con directores de la talla de Dario Fo, Mario Gas, John Strasberg, A. Garcia Valdés, Carlo Boso, Konrad Zschiedrich o Robert Lepage.
Actor versátil, de sólida trayectoria teatral, colabora durante años con el mítico grupo catalán Dagoll-Dagom, donde desarrolla su capacidad actoral y sus extraordinarias cualidades como cantante en montajes como Glups! o El Mikado.
Con Mario Gas ha trabajado en los montajes Follies, En casa, en Kabul de T. Kushner, Top-Dogs de Urs Weimer,Guys & Dolls de F. Loesser, Sweeney Todd de S. Sondheim y Golfos de Roma, también de S. Sondheim, además de otros proyectos teatrales como Cincuenta voces para Don Juan, lectura dramatizada del Tenorio; Brecht x Brecht, inaugurando el Festival de Otoño de Madrid en el Teatro Albéniz en el año 1999 y Cien poemas para cien años, una selección de poetas españoles, también para el Festival de Otoño.
También ha destacado en el cine, interviniendo en producciones internacionales como Diplomático Kuroda (2011) de Hiroshi Nishitani, [Rec] 2 (2009) dirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza, Inconscientes (2004) de J Oristrell, Smoking-Room (2002) de J.Wallovits y R.Gual, Fausto 5.0 (2001) de La Fura dels Baus, Un cuerpo en el bosque, de Joaquín Jordá, Tierra y libertad (1995), de Ken Loach, entre otras…
Colaboró junto a Pepe Rubianes, a quien le unía una estrecha amistad, en la dirección
de Pay-Pay, Por el Amor de Dios, La sonrisa etíope y Lorca eran todos

TRICICLE, es una compañía española de teatro cómico basada en el lenguaje gestual. Está formada por tres miembros (sus socios fundadores): Carles Sans, Joan Gràcia y Paco Mir. Fundada en 1979, lleva más de 30 años ofreciendo su particular humor en teatros de todo el mundo. Su universal sentido del humor, y la ausencia de texto hablado en sus obras les facilita la exportación de sus obras a todo tipo de países, donde gozan de un notable reconocimiento. Está actualmente considerada por los críticos una de las mejores compañías de mimo cómico del mundo.

Orígenes.

Tricicle nace el 1 de noviembre de 1979, en Barcelona, ciudad natal de sus tres integrantes. Carles Sans, Joan Gràcia y Paco Mir eran tres alumnos del Institut del Teatre de Barcelona que se unen para empezar a representar pequeños sketches, utilizando sólo la mímica, en las calles de Barcelona. Pronto tienen la oportunidad de actuar en diversas salas alternativas de la ciudad condal, donde durante tres años empiezan a ser conocidos por su particular propuesta escénica. En 1982 tienen la primera propuesta profesional: estrenan en el Teatro Villarroel de Barcelona Manicomic, una recopilación de los mejores gags creados a lo largo de sus tres años de vida. El espectáculo se convierte en la gran revelación de las salas barcelonesas, cosechando una gran acogida de público y crítica. Ese mismo año reciben el primer reconocimiento profesional de su carrera: un premio en el Festival de Teatro de Sitges.

1983: Reconocimiento en toda España

En 1983 se fija en ellos "Chicho" Ibáñez Serrador, que les da la oportunidad de hacer un gag en el programa de televisión más visto de España en aquella época: el Un, dos, tres... responda otra vez. Hacen una hilarante interpretación de la canción de Julio Iglesias "Soy un truhan, soy un señor", que causa impacto en toda España. Esa actuación les lanza a la fama, y les abre las puertas de la Sala Cadarso de Madrid, y la oportunidad de poder producir un nuevo espectáculo. En 1984 estrenan Exit, espectáculo con el que no sólo harán una gira por las principales ciudades españolas, sino que saldrán por primera vez de España, invitados a representar la obra en diversos países.

1986: Slastic, el despegue definitivo.

1986 es un año especialmente fructífero para Tricicle. Estrenan su tercera obra, Slastic: una sucesión de cómicas situaciones alrededor del mundo del deporte. Fue un notable éxito con el que abarrotaron teatros de España, Europa y América durante años. Hoy día todavía se considera a Slastic la mayor creación de Tricicle. La propia compañía escogería esta obra, en noviembre de 2004 para celebrar su 25 aniversario. El éxito de Slastic les abrió otras posibilidades profesionales. El mismo 1986, Tricicle se unió a otras dos compañías catalanas, Dagoll Dagom y Anexa, para fundar la productora "3xtr3s" tres por tres). La nueva empresa, además de producir espectáculos de las tres compañías y otros grupos, se adjudicó la gestión del Teatre Victòria, de Barcelona. La primera obra que produjo "3xtr3s" en el Teatre Victòria fue "La botiga dels horrors" (La tienda de los horrores), de Howard Ashman, que fue un impresionante éxito de público. En 1987 estrenaron Tres estrelles, su primera serie de televisión.

Años 90: la madurez.

La resaca del gran éxito de Slastic les obligó a tomarse un respiro. No sería hasta 1992 cuando estrenaron su cuarto espectáculo: Terrrífic. La fama de Tricicle hizo que la obra fuera un éxito de público, aunque las críticas la situaron cualitativamente por debajo del nivel creativo de Slastic. 1992 no fue, sin embargo, un mal año para Tricicle. Todo lo contrario. Estrenaron su segunda serie de televisión (Fiestas populares), y empezaron a preparar el primer cortometraje que los introduciría en el mundo del cine. Pero de 1992, sobre todo, se les recuerda por el número que, el 9 de agosto de 1992, intrepretaron en el Estadi Olímpic de Montjuïc, en el marco de la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de su ciudad natal, Barcelona. Fue un número sencillo, con simpática reverencia incluida a los mandatarios políticos más importantes del mundo que ocupaban el palco del estadio. Pero tuvo un impacto mediático muy importante. Era el primer gag cómico que se hacía en una ceremonia de clausura de unos Juegos Olímpicos, y fue presenciado en directo por millones de telespectadores de todo el planeta. La incansable actividad del grupo y las constantes solicitudes que les llegaban de todo el mundo los desbordó hasta el punto que, para poderse concentrar en nuevas tareas creativas, concibieron unos clones de sí mísmos: Clownic. Crearon una segunda compañía, que ellos mismos dirigirían, y que se encargaría de hacer representaciones de sus obras en países de todo el mundo, mientras ellos podían centrarse en otras cosas.

A Terrrífic le siguió, en 1996, Entretres, que representarían durante tres años en diversas ciudades del mundo. En 1999 estrenaron TRICICLE 20, una antología de los mejores gags de sus diferentes espectáculos con el que commemoraron su vigésimo aniversario. En 2002 estrenaron su espectáculo: Sit. Una colección de cómicas situaciones, siempre alrededor de un objeto tan común y universal como una silla. El espectáculo está teniendo un importante éxito en todo el mundo. En invierno de 2004, por ejemplo, estuvieron más de tres meses representándola en un teatro de París, ciudad donde tienen una notable consideración.

El 3 de noviembre de 2004 celebraron su 25 aniversario en un histórico espectáculo que reunió a más de 15.000 espectadores en el Palau Sant Jordi de Barcelona. El acto (coproducido con el Diario Sport, que también celebraba su vigésimoquinto aniversario), se denominó "25+25", y consistió en una especial recreación de su obra de mayor éxito; Slastic. En la representación participaron algunos de los mejores deportistas de España de los últimos 25 años (Ángel Nieto, Miguel Indurain, Àlex Corretja, Sergi Bruguera, Ronaldinho, Hristo Stoichkov...), que se prestaron a representar cada uno de los gags de la obra. También participaron en el acto humoristas como Millán Salcedo, Santiago Segura o Pepe Rubianes, que quisieron estar junto a Tricicle en tan histórica noche, y participar en su homenaje. En 2005, y con más de 25 años de vida, Tricicle sigue haciendo giras por países de todo el mundo, de China a Túnez pasando por Portugal, Austria o Argentina, y a la vez continúa trabajando en multitud de nuevos proyectos. Mientras tanto, su segunda compañía, Clownic, sigue haciendo cada vez más actuaciones en todos aquellos lugares a los que Tricicle no puede llegar.